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　　离港北上：全能艺人的尴尬

　　第二个常识：我们是在听歌还是在看戏？

　　在中国，我们对“艺人”的观念是全能型的，能唱、能演。往小了说，这大概是对中国戏曲传统的延续；往大了说，又可能有“文人艺术”的影子。比如绘画，会画画的在中国传统可以叫作画匠，属于手工艺人；而能称为画家的，则一定兼具书法、诗词的本事，若有些名士风流或传奇故事那就更好了。就像梁文道说梅艳芳“全部都好”，其中一定有对她的人品、个性和命运的感性评价。

　　由此说来，中国传统艺术中对“艺人”概念的评价，不是职业性的，而是文化性的。

　　可西方不同，西方讲究的是劳动分工，唱歌的就是唱歌的，演员就是演员，就算迈克尔·杰克逊演过电影，也没人会把他当职业演员对待。

　　观念上不同，现实中的操作就会不一样。

　　前面说过曾批评香港流行乐坛停滞不前的Music Nation（大国文化）总裁李进，他也是响当当的王牌经纪人，第一个旗下艺人就是梅艳芳，此后他又捧红了黎明、陈奕迅等歌星。他曾在一次访谈中说：“一个新人需要多长时间真正走进市场，看他们走什么路线。如果是一些着重包装的偶像型歌手，挖掘他们要在十几岁，这类歌手需要大量包装及宣传，在开始时投资量很大，但在很短的时间就能达到回报期，相对来说，这种歌手事业期不会很长，所以一年内就要捧红他。如果讲实力，事业可以长一点儿，这类型歌手可接受渐进式，比如二十五六岁会达到什么样的位置，30岁到什么位置，30岁后转去电影、电视发展。”

　　这段话至少告诉我们两个信息：一、偶像型歌手红得快、消失得也快，唱片公司是赚了钱就走，反正已经认定了他们没前途，“事业期不会很长”。由此，我们也就能理解为什么大把的新人昙花一现了；二、实力派歌手也得考虑多栖发展，进军影视圈。年龄呢？竟然是30岁。

　　这套路子我们相当熟悉，几代歌星都是这个轨迹，可我们一直以为是“唱而优则演”，以为是歌手们的个人选择，没想到这原本就是娱乐工业的设计思路。

　　当李进把这番话开诚布公地挑明时，我们难免有些担心：这么一来，香港流行乐坛岂不是没几个会唱歌的了？偶像型歌手年纪轻轻就退役了，留下几张稚嫩的唱片，冷不丁在演唱会上客串嘉宾，一开口就是车祸现场；而实力型歌手到了30岁，正该是对音乐有所领悟、提高歌艺的年龄，却不得不分心于影视，难怪一提起“代表作”都是老歌。像罗文这类五十多岁还在琢磨唱腔的歌手，恐怕绝迹了。

　　事实上，罗文对这一现象就有些不满，他曾说：“现在的歌星，整天在搞那个头，好像发型就是一切。都不是唱歌的。如今的形象指导只顾流行，哪个时装设计师流行，歌手便争着先穿，以为很威风。跳、唱都比人好才算威风啊，时髦与美是不同的。”

　　黄霑倒不像罗文那样批评，而是试图从文化传播的角度进行分析。他说：“录像技术发达，令‘音乐视像’（Music Video）流行。‘音乐视像’本来是宣传流行歌曲的工具，歌星把歌曲拍成影像，送电视台播映，来宣传歌曲。后来倒果为因，反客为主，‘音乐视像’变成节目。这些‘音乐视像’的流行，助长了流行音乐由听觉媒体发展成为视觉媒体。到了（20世纪）90年代后期，歌曲包装改变，声音不再重要，歌星形象、‘音乐视像’吸引，才是制作人的着力点。视觉的重要性驾凌于一切之上。音乐变成用眼睛来看的文化产品。”

　　在这段话后面，黄霑又引用了李进的话，他说：“音乐并非眼睛看的。”

　　这很有意思，李进批评过香港流行音乐“欠缺创意”，又讲过唱片公司培养新人的思路，此处又说“音乐并非眼睛看的”，好像其中有个别细节自相矛盾，是不是？

　　其实不是。

　　李进说实力型歌手在30岁要进军影视圈，可并没有说此后歌手就可以放松音乐上的追求。综合他说过的话，他的意思大概是这样：即使是实力型歌手，哪怕进军了影视圈，也要在音乐上有创新，不要过分依赖“音乐视像”。

　　实际上，李进的思路就是打造所谓的“传统艺人”，歌星可以去演电影，不过，歌还得好好唱，音乐毕竟是用来听的。正像黄霑所说，MV在传播方式上固然是创新，但它在音乐本质上并无半点贡献，若把MV这类东西当作创新，那就是本末倒置。

　　可是，现实中又有几个人能做到呢？

　　唱歌的跑去演戏，演戏的凑热闹唱歌，到最后歌没唱明白，戏却演了一堆烂片。我们看看2000年“香港十大劲歌金曲”的“新人奖”获奖者：男“歌手”分别是陈冠希、古天乐、张家辉，女歌手是陈慧珊、小雪和李彩桦。好歹古天乐和张家辉在影视方面风生水起，可对音乐圈来说，这还不让人无语吗？

　　情况是很严重，但是没法儿解决。

　　也许有人会质疑，有什么没法儿解决的，同样是中国人，内地的娱乐圈不是做得很好吗？

　　内地也有“演而优则唱”“唱而优则演”的状况，1999年的“香港十大中文金曲”中“优秀国语歌曲奖”铜奖，恐怕会让歌迷们相当无奈：赵薇的《有一个姑娘》。但这类不知所谓的东西毕竟是少数，大部分的内地艺人，唱歌的就是唱歌的，演员就是演员，职业界线分得比较明显，这是“好莱坞模式”。

　　可香港不一样，香港习惯了“传统艺人模式”。那么，问题就来了，为什么香港不能和内地一样呢？为什么这种情况“没法儿解决”呢？

　　这是由香港流行音乐本身的特质决定的，这一点，黄霑先生早在10年前就分析过。

　　黄霑说：“香港流行曲用的演唱语言是方言粤语，这个特色，令香港流行曲有了独特性格，却也严重地限制了其发展。虽然以前有过香港粤语流行曲在‘非粤语地区’流行过的记录，但那到底是一种畸形和不合常理的现象，时候一长，好奇一过，这种不合理情况就会消灭。”

　　黄霑先生继续解释说：“粤语只是方言，一出粤语地区如两广，就难以和全国各地的同胞沟通。在从前，内地封闭而香港独旺，促成粤语文化在全球华人社会活跃。但随着内地继续开放，香港完全失去从前的优势。”

　　值得深思的，就是这最后一句话。

　　文化竞争力与一个地区、一个国家整体的综合实力是呈正相关的。20世纪七八十年代，香港经济飞速发展，文化产品对外输出的能力也就强，加上内地、台湾以及东南亚华人圈对粤语听着新鲜，香港流行音乐自然有市场。可时过境迁，内地改革开放后，文化竞争力增强，同时，信息沟通、文化交流已经进入网络化时代，大把的欧美好音乐还听不过来呢，内地的原创音乐创作、制作水准又在提高，谁会去听没有新意的粤语歌曲？

　　说白了，粤语歌曲就和东北的二人转一样，都是地方性文化，其他地方的人听个新鲜也就完了，若说走向全国，不大可能。黄霑就此说：“也许粤语流行曲不会完全消失，有两广和新、马等地区的广府话人士支持，可能仍然保留着一定程度的存在。又或者，经过时间冲洗，会进入殿堂，成为古董式的‘精英文化’，就像粤剧，在高级文化场所，变成中国曲艺来演出。”

　　且不说粤语歌曲日后的发展方向，还是回到香港的“艺人模式”这个话题上，为什么香港歌手必须进入影视圈，而不能像内地一样采用“好莱坞模式”？从黄霑的话里我们也许可以得出结论：香港地方太小，粤语文化的市场也小，如果唱歌的只唱歌、演戏的只演戏，艺人可就没饭吃了。尤其在目前唱片不赚钱、港产电影也日落西山的状况下，香港艺人只能走多栖发展的路。

　　说到这儿，也许有人会说，事实上存在着第三条路。

　　是的，还有一条路，这就是现在的香港歌星们正在走的：进入内地。

　　香港歌星“北上”已经不是新鲜套路了，何韵诗说香港乐坛思维僵化，随后推出首张国语专辑，直接跑到内地来做宣传，好像香港市场她理都不理了似的；更有甚者，梁咏琪在2006年出版粤语专辑《成长的短发》后，只出过一张粤语精选集，到了2010年才推出新的粤语专辑《怕寂寞的猫》。按理说粤语专辑，主攻市场应该是在香港嘛，可她实际上是借着发行新唱片来北京做演唱会的——唱片，在唱片业已经不赚钱的今天，只不过是维持人气的名片，歌星虽然北上，但音乐是否拿得出手，那就难说了。

　　正如黄霑说的，“一切迹象显示，只有能够再度进入中国的普通话市场，香港流行音乐才可以再有起色。而香港流行音乐人，在能够充分把握内地同胞特有的价值取向和审美标准之前，希望在内地再度吸引同胞，只是妄想而已。今天不少香港现役流行音乐人，连用普通话沟通的基本技巧都未能充分掌握，更遑论灵巧活用在创作中了”。

　　说起来可能有些悲观，但我们回归常识后，应该清楚这样一个起码的事实：香港流行音乐固然有过辉煌，甚至直至如今它依然被众多歌迷如圣殿一般仰视着，然而，华人流行音乐文化中，言必谈香港的日子已经过去。香港流行音乐，尤其是粤语音乐就应该是目前的位置，它固有的局限性客观存在着，似乎是个天然的瓶颈，同时，以往高速发展遗留下的种种弊端却依然存在，看似也不是一天两天能够解决的。

　　当香港流行乐坛“神”的色彩渐渐褪色后，唯一能保持竞争力的就是它创造的文化模式和文化机制，然而，可惜的是，这一文化的代表者之一、香港流行乐坛颁奖礼文化，也跑偏了。 光辉岁月，不说再见：香港音乐时光书